VOCES DE LA OTREDAD

ITINERARIO

VOCES DE LA OTREDAD EN MÉXICO

Graffiti en México:
arte marginal y trasgresor

De origen estadunidense, las manifestaciones del graffiti en nuestro país se han convertido en el medio de expresión e identidad de numerosos jóvenes, principalmente en las zonas urbanas marginales. Así, writers mexicanos realizan tags, bombs y stencils en los muros de ciudades como Tijuana, Aguascalientes, Guadalajara y Distrito Federal.

MARCELA ZAPIAIN

• RESTAURADORA DE BIENES MUEBLES

PEDRO QUINTERO

• DISEÑADOR GRÁFICO

BENIGNO CASAS

• ARTISTA VISUAL

Estudiantes del posgrado en Artes visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Universidad Nacional Autónoma de México
zapiainmg@yahoo.com.mx
elpeter72@yahoo.com.mx
benignocasas@yahoo.com.mx

El graffiti y sus orígenes

Plural de la palabra graffito, significa "inscripción" o "garabato" en el idioma italiano, de donde proviene. En el diccionario de la Real Academia Española se acepta sólo la palabra grafito, que en algunas de sus acepciones la define como "escrito o dibujo hecho a mano por los antiguos en los monumentos", o como "letrero o dibujo grabado o escrito en las paredes u otras superficies resistentes, de carácter popular y ocasional, sin trascendencia".(1) Originariamente, el término graffiti fue utilizado para designar a las inscripciones y dibujos encontrados en la antigua arquitectura romana, especialmente las localizadas en la ciudad de Pompeya, que suman miles y datan de la época en que la ciudad era morada de descanso y esparcimiento de las clases privilegiadas del imperio.

Pero el graffiti evoca además una actividad muy primitiva, que se remonta a los primeros trazos del homo sapiens en las paredes de las cavernas que le servían como morada y refugio. Desde entonces la humanidad no ha cesado de imprimir su huella y rastro en las paredes, lo que representa un encuentro de lo perenne y lo efímero, en el que el cuerpo marca su huella en un material o soporte destinado a perpetuarla. Como forma expresiva, el graffiti conserva la huella de ese gesto primitivo, anticipador de dos actividades emparentadas y a la vez distintas: la escritura y la pintura.

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EL MURALISMO

El muralismo fue un movimiento artístico de carácter indigenista que surge tras la Revolución Mexicana de 1910.   Buscaba socializar el arte, rechazó la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales.

Proponía la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retratara la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de la historia. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.

El muralismo no es en sí una técnica como el mural o el fresco, es una escuela o movimiento artístico que responde a ideales revolucionarios y a la paz política.

Con el nombramiento del pintor Alfredo Ramos Martínez como director de la Escuela de Nacional de Artes Plásticas de México en 1913, comienza a despertar un sentido nacionalista en la plástica de este país.  

Posteriormente, fue Gerardo Murillo, mejor conocido como el Dr. Atl., quien al suceder a Ramos en el cargo, inculcó en los nuevos artistas una manera distinta de crear.         

El muralismo fue también promovido por José Vasconcelos, Secretario de Educación Pública durante la presidencia de Álvaro Obregón.

Vasconcelos puso a la disposición de los artistas los muros de los edificios públicos, como parte de una política de educación popular, que intentaba reforzar el conocimiento de la historia revolucionaria de México.         

Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y otros artistas de esta tendencia, se organizaron en la Unión de Trabajadores Técnicos, Pintores y Escultores, y, a través del periódico El machete, difundieron sus ideas políticas.        

Una de sus posturas era favorecer la monumentalidad con temas que reforzaran la identidad nacional y el rescate de los valores prehispánicos y combinar arquitectura y pintura en mensajes que pudieran ser descifrados por las masas.          

Aún así, una de las críticas que recibió este movimiento fue el hecho de que los campesinos, obreros e indígenas a los que se exaltaba en los murales, nunca constituyeron el verdadero público de este trabajo.

RECORRIDO MEXICANO:

El corrido es una forma musical y literaria popular del área cultural mestiza mexicana, en que ha establecido una de las formas de transmisión más importantes de los sucesos galantes o heroicos de la Revolución Mexicana y ha tenido un impacto significativo. Derivado a lo largo del siglo XVIII del Romance,  forma popular traída de Europa, en su forma mejor conocida consiste de:

1. Un saludo y presentación del cantor y prólogo de la historia;
2. Desarrollo de la anécdota;
3. Moraleja y despedida del cantor.
4. Debe tener de 8 silabas en adelante

Los corridos son casi de generación espontánea, creaciones ingenuas, populares de autores anónimos. Son además formas cantables, al compás de las guitarras.

Hay corridos con temas amorosos, crónicas de sucesos naturales, y desde luego relatos de hechos históricos que vienen desde los días de la Independencia, hasta la conclusion de la Revolución Mexicana, pasando por los episodios conocidos con el nombre génerico de la Reforma cuando aparece la figura gigante de Benito Juárez, la exótica del Emperador Maximiliano, el perfil de los invasores franceses y el triunfo de la República.

Mediante el corrido el pueblo recoge, difunde y perpetúa las noticias que le afectan, cantándolas en verso asonantando  con el acompañamiento de la guitarra y otros instrumentos variados.

Fue hasta la Guerra de Independencia (1810-1821), y de ahí a lo largo de la Revolución Mexicana (1910-1921) y las revueltas religiosas (1926-1934) originadas por el nuevo orden político, que el género prosperó y adquirió los conocidos tonos "épicos" que tanto se resaltan.

Con la consolidación del "Presidencialismo" (orden político instituido tras la Revolución Mexicana) y el éxito de los medios electrónicos de comunicación masiva, el corrido perdió mucho de su papel informativo, volviéndose, por una parte, un ingrediente del culto folclorista, y por otra, en la voz de los nuevos subversivos: trabajadores oprimidos, productores y traficantes de drogas; activistas de izquierda, campesinos emigrantes.

Esta es la etapa "decadente" del género, que tiende a borrar las características estilísticas y estructurales del corrido "revolucionario" o tradicional, sin mostrar aún una pauta clara o unificada de evolución. Esto es representado sobre todo por el "narcocorrido", canciones dedicadas a figuras relacionadas con el narcotráfico, muchas veces ordenadas y pagadas por ellos mismos a músicos y compositores.

Actualmente los corridos son usados para contar relatos de tipo amorosos, hazañas deportivas, historias de narquillos de tercera y borrachales, se componen corridos con fines de lucro (enaltecer la carrera política de candidatos de partidos políticos).

En el estado de Sinaloa, el estado de la mayoría de narcos y matones famosos que tiene su propio corrido.

En contraste del corrido mexicano, que es la crónica de un acontecimiento determinado, la canción ranchera aborda aspectos sentimentales y románticos.

VOCES DE LA OTREDAD EN ECUADOR

LOS ROSTROS Y MANOS DE GUAYASAMÍN

Guayasamín ha aunado la fuerza de la temática indígena con los logros de las vanguardias de principios de siglo, especialmente el cubismo y el expresionismo

VOCES DE LA OTREDAD EN PERÚ

FOLCLOR MUSICAL

Para entender la cultura en Latino América con relación a los inmigrantes y otros grupos de la minoría, es necesario buscar el origen de los problemas en la sociedad que son concentrados en el gobierno, la religión, y las relaciones entre los personajes y otras personas en sus vidas.

El concepto de otredad es un resultado de ser un miembro de la minoría. Por eso, no hay pueblo del Perú, por pequeño que él sea, que no tenga su banda de músicos, conformada por iniciativa propia de sus cultores y habitantes, constituyendo grupos excelentemente organizados, imbuidos de principios y hasta de mística y sacrificio, que acompañan con fervor las celebraciones religiosas, cívicas y sociales.

Es un símbolo de la fortaleza del Perú milenario, de su resistencia y proyección al porvenir. Ensayan en medio de los bosques, en la falda de las colinas, en la cumbre de los cerros frente a los abismos; notas, acordes y compases que convocan, integran y curan las heridas del alma; que harán regresar a los hermanos, padres e hijos que se han ido a tierras lejanas, por lo menos en el recuerdo.

Por eso, no hay pueblo del Perú, por pequeño que él sea, que no tenga su banda de músicos, conformada por iniciativa propia de sus cultores y habitantes, constituyendo grupos excelentemente organizados, imbuidos de principios y hasta de mística y sacrificio, que acompañan con fervor las celebraciones religiosas, cívicas y sociales.

Es un símbolo de la fortaleza del Perú milenario, de su resistencia y proyección al porvenir. Ensayan en medio de los bosques, en la falda de las colinas, en la cumbre de los cerros frente a los abismos; notas, acordes y compases que convocan, integran y curan las heridas del alma; que harán regresar a los hermanos, padres e hijos que se han ido a tierras lejanas, por lo menos en el recuerdo.

 El Vals Criollo

 Baile y música que según algunos estudiosos del tema llegó al Perú a mediados de los ochocientos, su origen puede encontrase en el waltz austriaco, llegando a nuestra patria en momentos que la primera República sufría álgidos problemas, relacionados a la Confederación Perú Boliviana.

En esa época en los salones se bailaba la mazurca, la cuadrilla y la jota, con la llegada del vals vienés, los salones comenzaron a acoger este nuevo ritmo, que sufrió algunos cambios en su ritmo y en el estilo bailar, hecho que permitió adentrarse en el corazón del limeño, compitiendo con otro baile muy popular como fue la polka.

 La Marinera Limeña

Es la expresión de nuestro baile nacional en los departamentos de la Costa Central y en especial de la capital de la república.

Baile de pàreja mixta con mensaje de amor, coloquio que permite el enamoramiento de sus protagonistas, gracia y coquetería propia de la mujer peruana que insinuante expresa su sentir al ritmo de la música ante un apuesto varón que tratará de conquistarla acompañando y respondiendo a sus requerimientos.

En esta Marinera podemos distinguir perfectamente ;

Primera de Jarana
Segunda de Jarana
Tercera de Jarana
Resbalosa
Fuga.

La gracia de los bailarines pone el encanto y la alegría de su sentimientos espontáneos acompañados de habilidad y destreza,

La marinera limeña es garboza y señorial, de pasos cortos, exige reglas estrictas en sus cantos y bailes sumamente elaborados. También conocida como "marinera de costa centro" es el elegante baile de la zona de Lima y que tiene sus inicios en la colonia. Esta variante de la marinera es cantada acompaña con guitarra, palmas y también por supuesto...con el clásico "cajón peruano". El canto es el que invita a los amarres por lo que no ha de bailarse si no se canta y tendrá que bailarse tanto como las marineras y resbalosas duren, hasta que el varón o la dama se rinda o se les caiga el pañuelo. Las marineras (primera, segunda y algunas veces tercera) pueden bailarse solas o acompañadas con su resbalosa o resbalosas, ya que estas pueden ser más de una dependiendo del ánimo de los cantantes, por lo que es más emocionante cuando esta se "pone para jarana" o en "contrapunto.

VOCES DE LA OTREDAD EN CHILE

Bailes de Chile

Los bailes que se desarrollan a lo largo del territorio nacional constituyen un importante aporte al folklore y la cultura popular.

Protagonistas de las festividades religiosas y las celebraciones criollas, las danzas nacionales reflejan la vasta gama de influencias y creencias que dominan a las distintas comunidades que conforman a nuestro país.

Los diferentes instrumentos y vestimentas que acompañan a las variadas coreografías son una expresión de las identidades de una población que está fuertemente determinada por la localidad geográfica en que habita.

Ejemplo de lo anterior, es el baile nacional de Chile, la cueca que presenta algunas variaciones que dependen del lugar en que se desarrolle.

Para interiorizarse de las particulares costumbres y tradiciones que se manifiestan a través de los bailes folclóricos, a continuación se presentan las principales características de las danzas folklóricas que se llevan a cabo en las distintas zonas del país.

 Los bailes de la zona central de nuestro país tienen en su mayoría raíz española, como también negra o más recientemente mexicana y colombiana. Varios de ellos mantienen vigencia en los fértiles valles de este lugar de Chile. Algunos de éstos son:  

 CUECA: Es la danza folklórica nacional por excelencia porque como ninguna otra ha alcanzado una dispersión tan amplia en todas las regiones del país, una práctica tan difundida entre personas de diferentes edades y condiciones, una significación tan representativamente histórica y, además porque no obstante estar su forma coreográfica estrictamente establecida, es la que ofrece más posibilidades de riqueza emocional en su ejecución, que desarrollan una o más parejas mixtas e independientes, con sus bailarines sueltos y con uso de pañuelo. 

 SAJURIANA: Traída del Argentina por el ejército Libertador, la sajuriana se entronizó en los salones aristocráticos. En una versión de Carlos Vega se el ritmo lento vivo que conservo por mucho tiempo.             

Pronto el pueblo la hizo suya dándole el sello de vivacidad y gallardía actual. La sajuriana tiene unas denominaciones muy variadas: sinjuriano, sanjuriana, sanjuanina, sajuria, etc., según distintas regiones. En Chile se le agregó zapateo y escobillado, utilizándose la guitarra en el acompañamiento

Isla de Pascua

Pese a su pequeño tamaño, Isla de Pascua mantiene un acervo cultural amplio, basado en canciones e historias que se transmiten de generación en generación. Sus bailes tienen una gran influencia polinésica, aunque también cuentan con expresiones propias dedicadas a los dioses, al amor y a fenómenos de la naturaleza. Otra de las características de los pascuenses es la de asimilar rápidamente influencias externas y adoptarlas con códigos  propios.

SAU SAU: De origen polinésico, esta danza llega a la isla durante el período de la 2' Guerra Mundial. Se caracteriza por tener una gran cadencia en sus movimientos, con maniobras ondulantes de las manos. Este baile se realiza con trajes de plumas, que son el principal elemento diferenciador de la cultura pascuense con el resto de sus congéneres del Pacífico Sur. 

 TAMURE: De movimientos muy rápidos, especialmente de las piernas, se baila en parejas y es dedicado a la fertilidad. Otra de sus característica son sus movimientos pelvianos de acuerdo al desarrollo de la música. Este baile guarda cierta influencia tahitiana. 

GRAN FESTIVAL FOLKLÓRICO DE LIMACHE    

Este festival es uno de los eventos más importantes de la comuna, ubicada en la Región de Valparaíso, auspiciado por la Municipalidad  de Limache, cuyo objetivo es difundir el folklore de Chile a toda la población. Ha tenido mucha aceptación por parte de la comunidad limachina y los turistas que se encuentran en la zona. En cada jornada el festival tiene una concurrencia de más de tres mil personas de toda la región. Este evento se realiza en un escenario abierto en el Parque Brasil en plena Avenida Urmeneta, entre los meses de Enero y Marzo de cada año, con entrada liberada y con la participación de artistas de gran trayectoria en el ámbito del Folklore.

VOCES DE LA OTREDAD EN ARGENTINA

La cultura argentina está marcada por el carácter multiétnico y multicultural de su población, el fuerte sincretismo de sus formas de expresión, y una positiva valoración del progreso y la modernidad, en la que se conjugan, no sin conflictos, un sentido dual de pertenencia a las culturas europea y latinoamericana. El poeta mexicano Octavio Paz dijo una vez que "los argentinos son italianos que hablan español y se creen franceses". Por su parte el escritor argentino Ernesto Sábato ha reflexionado sobre la naturaleza de la cultura argentina del siguiente modo:

"Fracturada la primitiva realidad hispanoamericana en esta cuenca del Plata por la inmigración, sus habitantes venimos a ser algo dual, con todos los peligros pero asimismo con todas las ventajas de esa condición: por nuestras raíces europeas vinculamos de modo entrañable el interior de la nación con los perdurables valores del Viejo Mundo; por nuestra condición de americanos, a través del folklore interior y el viejo castellano que nos unifica, nos vinculamos al resto del continente, sintiendo de algún modo la vocación de aquella Patria Grande que imaginaron San Martín y Bolívar"

MUSICA

El tango es un estilo musical y un baile nacido en los arrabales porteños con difusión internacional, ligado fuertemente con la Argentina y con Uruguay, pero sobre todo con Buenos Aires. En este género musical se destacaron Carlos Gardel, considerado como el Rey del Tango, y el marplatense mundialmente reconocido Astor Piazzolla.

El folclore argentino reúne las manifestaciones artísticas del interior de la Argentina. Han existido zonas en la cuales predominaba algún estilo (por ejemplo zambas, cuecas, chacareras, chamarritas, chamamés, malambo), aunque actualmente han experimentado una difusión nacional. Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa y Soledad Pastorutti se encuentran entre los exponentes más importantes de estos géneros.

El «rock nacional» argentino ha tenido un amplio desarrollo desde finales de los años 1960 y una fuerte influencia en el rock iberoamericano cantado en español. Posee exponentes destacados como las bandas Soda Stereo, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, o los músicos Charly García o Fito Páez. Los recitales multitudinarios suelen celebrarse en estadios, siendo el de mayor capacidad el Estadio Monumental Antonio Vespucio Liberti. Uno de los festivales más exitosos de la actualidad es el Quilmes Rock, celebrado anualmente.

La balada romántica, con cantantes de fama sudamericana como Sandro de América, la cumbia, también llamada "bailanta", con un ritmo más simple que el modelo original colombiano, y el cuarteto (este ritmo especialmente en la Provincia de Córdoba), son los géneros de mayor arraigo en los sectores populares.

Buenos Aires suele ser escenario de la música electrónica en América Latina y es sede de importantes fiestas como la South American Music Conference o la Creamfields, que con su convocatoria de más de 60.000 personas, se convirtió en una de las más importantes del mundo. La ciudad, junto con Mar del Plata y Bariloche, tienen también su propio estilo de música electrónica.

Con base en el Conservatorio Nacional de Música y el Teatro Colón, se ha desarrollado una sólida escuela de música y danza clásicas. En la música clásica, destacan compositores como Alberto Ginastera, intérpretes como Martha Argerich y directores como Daniel Barenboim. En danza clásica, destacan Jorge Donn, Maximiliano Guerra, Paloma Herrera, Marianela Núñez y Julio Bocca; este último, director también del Ballet Argentino

ARTES PLASTICAS

La pintura y la escultura de Argentina se nutren de estilos novedosos con influencias europeas e indoamericanas. La tercera década del siglo XX representó una etapa fundamental para el desarrollo de la pintura, realizándose grandes acontecimientos relacionados con nuevas orientaciones estéticas. Es por este motivo que el lapso comprendido entre 1920 y 1930 es considerado como el de formación de la pintura moderna argentina, teniendo exponentes como Antonio Berni, Gyula Kosice, fundador del Movimiento Madí, Raúl Soldi; y exponentes de pintura popular como Florencio Molina Campos y Benito Quinquela Martín.

La historieta argentina también tiene importantes representantes de fama internacional; al menos durante todo el siglo XX, el humor gráfico argentino ha ocupado un lugar preeminente en el género, gracias a artistas como Quino, Guillermo Mordillo y Roberto Fontanarrosa.

También es de destacar la importante tradición de publicaciones de revistas de historietas que han sido muy importantes dentro del mundo de la historieta en español, como es el caso de Fierro.

AERÓFONOS MAPUCHES

especial de Roberto Chiappino

Tenemos que tener en cuenta antes de ponernos a analizar lo concerniente a la música mapuche y los elemento que estos grupos étnicos utilizan, que en Mapuduwun o mapudumun (idioma mapuche) no existe ninguna palabra que al traducirla signifique música. Cabe esta aclaración para poder entender que la música es parte de lo sagrado, inseparable de lo ritual. El pueblo mapuche bajo ningún concepto acepta su música como una expresión artística.

 El filete, un arte popular para camiones, casas e incluso ropa

Romper la monotonía de los autobuses, de las paredes de las casas o de unos pantalones lisos se puede conseguir con la técnica argentina del fileteado, donde formas geométricas y colores vivos generan diseños con temáticas como el tango y hasta imágenes más atrevidas para tatuajes.

Inmigrantes italianos crearon este "arte marginal" hace más de un siglo en Buenos Aires, donde pintaban los carros con temáticas del imaginario popular, ya fueran imágenes de Carlos Gardel, del campo argentino o cenefas de colores y motivos florales.

"Comenzó siendo una decoración muy simple que se ha ido enriqueciendo. Es un arte popular con una cadena de producción artística marginal que ha sobrevivido más de cien años y hoy es una forma de arte", explicó Alfredo Genovese, fileteador desde hace más de veinte años que recientemente publicó un cuaderno educativo sobre este tema.

Esta "argentinidad" del filete queda plasmada en uno de los motivos más recurrentes: la bandera nacional, un orgullo para los ciudadanos argentinos que luce especialmente en los autobuses y en los carteles. Genovese se interesó por este arte antes de que se convirtiera en moda y en su taller diseña tanto filetes para souvenirs como campañas publicitarias para marcas internacionales. A lo largo de los años, los diseños locales han dado paso a un interés más internacional, ya que según Genovese "en un mundo globalizado como el nuestro la gente ve en el filete un diseño original".

Así, de dedicarse a la iconografía del tango y a decorar autobuses, la imaginación de los fileteadores ha llevado a crear diseños innovadores y atractivos para el mundo, como botellas de champaña fileteadas o tatuajes con el escudo del club de fútbol Boca Juniors. Un rótulo o un autobús fileteado es fácil de reconocer, ya que las técnicas y las bases son siempre las mismas, aunque varían los diseños y los colores.

Elegancia, combinación de colores fríos y calientes y juego de espacios llenos y vacíos son algunas de las características del filete, una obra que cualquiera que sea su temática es siempre pintada con extrema finura y detallismo. "Primero se dibuja en papel vegetal el diseño, luego se perfora la silueta y se sitúa encima de una lámina negra, se pasa un trapo con polvo por encima y queda grabado en la lámina o cartón. A partir de ahí con pinceles no muy gordos se puede empezar a pintar", explicó Genovese. El filete constaba en sus orígenes de dos elementos básicos, un mensaje escrito y un mensaje icónico realizado en vivos colores y con formas muy definidas.

Tal es la moda actual de esta técnica, que comenzó como simple decoración de carros, que es mucha la gente que pide que se le diseñen filetes en la ropa o se le hagan tatuajes. "Tiendo a trabajar con el cliente, me dicen qué no quieren, los colores, y a partir de ahí me dan bastante libertad de creación", apuntó Genovese. Entre sus imágenes favoritas se encuentra el dragón, del que se dice simboliza la fuerza y la virilidad, siendo la flor su contrapartida.

El gusto por este tipo de diseño ha llegado hasta tal punto que los más atrevidos incluso apuestan por filetear su coche, algo que puede tardar un mes y costar un mínimo de mil dólares. En los últimos años, el "body painting" -pintar un cuerpo desnudo- ha cobrado gran interés estético y se considera un arte, por lo que el fileteado también ha apostado por diseñar para este nuevo arte. Así, ahora también pueden observarse en ferias de estética o para publicidad cuerpos pintados con filetes variopintos, siempre resaltando y teniendo en cuenta la figura humana.